Artistas americanos. 7 maestros que sorprendieron al mundo

Los artistas estadounidenses son muy diversos. Alguien era un claro cosmopolita, como Sargent. Es estadounidense de origen, pero ha vivido en Londres y París durante casi toda su vida adulta.

También hay auténticos americanos entre ellos, que retrataron la vida únicamente de sus compatriotas, como Rockwell.

Y hay artistas fuera de este mundo, como Pollock. O aquellos cuyo arte se ha convertido en un producto de la sociedad de consumo. Esto, por supuesto, se trata de Warhol.

Sin embargo, todos son estadounidenses. Amante de la libertad, audaz, brillante. Lea acerca de siete de ellos a continuación.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler difícilmente puede ser llamado un verdadero estadounidense. Al crecer, vivió en Europa. Y pasó su infancia en absoluto ... en Rusia. Su padre construyó un ferrocarril en San Petersburgo.

Fue allí donde el niño James se enamoró del arte, visitando el Hermitage y Peterhof gracias a las conexiones de su padre (entonces todavía eran palacios cerrados al público).

¿Por qué es famoso Whistler? Cualquiera que sea el estilo que pinte, desde el realismo hasta el tonalismo*, se le puede reconocer casi de inmediato por dos rasgos. Colores inusuales y nombres musicales.

Algunos de sus retratos son imitaciones de viejos maestros. Como, por ejemplo, su famoso retrato "La madre del artista".

El artista ha creado un trabajo increíble utilizando colores que van desde el gris claro hasta el gris oscuro. Y algo de amarillo.

Pero esto no significa que a Whistler le gustaran esos colores. Era una persona extraordinaria. Fácilmente podría aparecer en sociedad con calcetines amarillos y un paraguas brillante. Y aquí es cuando los hombres vestían exclusivamente de negro y gris.

También tiene obras mucho más ligeras que "Madre". Por ejemplo, Sinfonía en blanco. Así llamó la imagen uno de los periodistas de la exposición. A Whistler le gustó la idea. Desde entonces, calificó casi todas sus obras de forma musical.

Pero luego, en 1862, al público no le gustó la Sinfónica. Nuevamente, debido a los esquemas de color idiosincrásicos de Whistler. A la gente le parecía extraño escribir una mujer de blanco sobre un fondo blanco.

En la imagen vemos a la amante pelirroja de Whistler. Muy en el espíritu de los prerrafaelitas. Después de todo, el artista era amigo de uno de los principales iniciadores del prerrafaelismo, Gabriel Rossetti. Belleza, lirios, elementos inusuales (piel de lobo). Todo es como debe ser.

Pero Whistler se alejó rápidamente del prerrafaelismo. Ya que no era la belleza externa lo que era importante para él, sino el estado de ánimo y las emociones. Y creó una nueva dirección: el tonalismo.

Sus paisajes nocturnos al estilo del tonalismo realmente parecen música. Monocromo, viscoso.

El propio Whistler dijo que los nombres musicales ayudan a centrarse en la pintura, las líneas y el color. Al mismo tiempo, sin pensar en el lugar y las personas que se representan.

Tonalismo, así como cerca de él. impresionismo, a mediados del siglo XIX, el público tampoco quedó impresionado. Demasiado lejos del realismo popular en ese momento.

Pero Whistler tendrá tiempo para esperar el reconocimiento. Al final de su vida, su obra será comprada voluntariamente.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt nació en una familia rica. Ella podría vivir una vida sin preocupaciones. Casarse y tener hijos. Pero ella eligió un camino diferente. Habiéndose hecho voto de celibato por el bien de la pintura.

ella era amiga de Edgar Degas. tengo el miercoles impresionistas, siempre llevado por esta dirección. Y su “Muchacha en un sillón azul” es la primera obra impresionista que vio el público.

Pero a nadie le gustó mucho la imagen. En el siglo XIX, los niños eran representados como ángeles obedientes sentados, con rizos rizados y mejillas sonrosadas. Y aquí hay un niño que está claramente aburrido, sentado en una posición demasiado relajada.

Pero fue Mary Cassatt, que nunca tuvo hijos propios, quien fue casi la primera en retratarlos tan naturales como son.

Para ese momento, Cassatt tenía un "defecto" grave. ella era una mujer No podía darse el lujo de ir sola al parque a pintar de la naturaleza. Sobre todo para ir a un café donde se reunían otros artistas. ¡Todos los hombres! ¿Qué le quedó a ella?

Escribe monótonas fiestas de té para mujeres en salas de estar con chimeneas de mármol y costosos juegos de té. La vida es mesurada e infinitamente aburrida.

Mary Cassatt no esperó el reconocimiento. Al principio, fue rechazada por su impresionismo y pinturas supuestamente inacabadas. Luego, ya en el siglo XX, quedó marcadamente “anticuado”, ya que el Art Nouveau estaba de moda (Klimt) y el fauvismo (Matisse).

Pero ella se mantuvo fiel a su estilo hasta el final. Impresionismo. Pastel suave. Madres con hijos.

Por el bien de la pintura, Cassatt abandonó la maternidad. Pero su feminidad se manifestó cada vez más precisamente en obras tan delicadas como Sleeping Child. Es una pena que una sociedad conservadora la haya puesto alguna vez ante tal elección.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent estaba seguro de que sería retratista toda su vida. La carrera iba bien. Los aristócratas se alinearon para ordenarle.

Pero una vez que el artista cruzó la línea en la opinión de la sociedad. Ahora es difícil para nosotros entender qué es tan inaceptable en la película "Madame X".

Es cierto que en la versión original, a la heroína se le omitió uno de los bralettes. Sargent la "crió", pero esto no ayudó en el caso. Los pedidos han quedado en nada.

¿Qué obsceno vio el público? Y el hecho de que Sargent retratara a la modelo en una pose demasiado confiada. Además, la piel translúcida y una oreja rosada son muy elocuentes.

La imagen, por así decirlo, dice que esta mujer con mayor sexualidad no es reacia a aceptar el cortejo de otros hombres. Además, estar casado.

Desafortunadamente, detrás de este escándalo, los contemporáneos no vieron la obra maestra. Vestido oscuro, piel clara, pose dinámica: una combinación simple que solo pueden encontrar los maestros más talentosos.

Pero no hay mal sin bien. Sargent recibió la libertad a cambio. Empezó a experimentar más con el impresionismo. Escribir niños en situaciones inmediatas. Así apareció la obra “Clavel, Lily, Lily, Rose”.

Sargent quería capturar un momento específico del crepúsculo. Así que solo trabajaba 2 minutos al día cuando la iluminación era la adecuada. Trabajado en verano y otoño. Y cuando las flores se marchitaron, las reemplazó por otras artificiales.

En las últimas décadas, Sargent se aficionó tanto a la libertad que comenzó a abandonar por completo los retratos. Aunque su reputación ya ha sido restaurada. Incluso despidió groseramente a un cliente, diciendo que pintaría su puerta con mucho gusto más que su cara.

Los contemporáneos trataron a Sargent con ironía. Considerándolo obsoleto en la era del modernismo. Pero el tiempo puso todo en su lugar.

Ahora su trabajo no vale menos que el trabajo de los modernistas más famosos. Bueno, ya no digamos el cariño del público y no digamos nada. Las exposiciones con su obra siempre se agotan.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Es difícil imaginar un artista más popular durante su vida que Norman Rockwell. Varias generaciones de estadounidenses crecieron con sus ilustraciones. Amándolos con todo mi corazón.

Después de todo, Rockwell retrató a estadounidenses comunes y corrientes. Pero al mismo tiempo mostrando su vida desde el lado más positivo. Rockwell no quería mostrar ni padres malvados ni madres indiferentes. Y no encontrarás niños infelices con él.

Sus obras están llenas de humor, colores jugosos y expresiones de la vida muy hábilmente capturadas.

Pero es una ilusión que el trabajo se le dio fácilmente a Rockwell. Para crear una pintura, primero tomaba hasta cien fotografías con sus modelos para capturar los gestos correctos.

El trabajo de Rockwell ha tenido un tremendo impacto en la mente de millones de estadounidenses. Después de todo, a menudo hablaba con la ayuda de sus pinturas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, decidió mostrar por qué luchaban los soldados de su país. Habiendo creado, entre otras cosas, la pintura "Freedom from Want". En forma de Acción de Gracias, en el que todos los miembros de la familia, bien alimentados y satisfechos, disfrutan de las vacaciones en familia.

Después de 50 años en el Saturday Evening Post, Rockwell pasó a la revista Look, más democrática, donde pudo expresar sus posiciones sobre temas sociales.

La obra más brillante de esos años es “El problema con el que vivimos”.

Esta es la historia real de una niña negra que fue a una escuela para blancos. Desde que se aprobó una ley que establece que las personas (y, por lo tanto, las instituciones educativas) ya no deben dividirse en líneas raciales.

Pero la ira de los habitantes no conoció límites. De camino a la escuela, la niña estaba custodiada por la policía. Aquí hay un momento tan "rutinario" y mostró Rockwell.

Si desea conocer la vida de los estadounidenses bajo una luz ligeramente embellecida (como ellos mismos querían verla), asegúrese de mirar las pinturas de Rockwell.

Quizás, de todos los pintores presentados en este artículo, Rockwell es el artista más estadounidense.

5. Andrés Wyeth (1917-2009)

A diferencia de Rockwell, Wyeth no fue tan positivo. Recluso por naturaleza, no buscaba embellecer nada. Por el contrario, representó los paisajes más ordinarios y las cosas sin importancia. Solo un campo de trigo, solo una casa de madera. Pero incluso logró espiar algo mágico en ellos.

Su obra más famosa es Christina's World. Wyeth mostró el destino de una mujer, su vecina. Habiendo estado paralizada desde la infancia, se arrastró por el área alrededor de su granja.

Entonces, no hay nada romántico en esta imagen, como podría parecer al principio. Si miras de cerca, entonces la mujer tiene una delgadez dolorosa. Y sabiendo que las piernas de la heroína están paralizadas, comprendes con tristeza lo lejos que todavía está de casa.

A primera vista, Wyeth escribió lo más mundano. Aquí está la ventana vieja de la casa vieja. Una cortina gastada que ya ha comenzado a hacerse jirones. Afuera la ventana oscurece el bosque.

Pero hay algo de misterio en todo esto. Alguna otra mirada.

Así los niños son capaces de mirar el mundo sin pestañear. Wyatt también. Y estamos con él.

Todos los asuntos de Wyeth estaban a cargo de su esposa. Era una buena organizadora. Fue ella quien se puso en contacto con museos y coleccionistas.

Había poco romance en su relación. La música tenía que aparecer. Y se convirtió en una Helga simple, pero con una apariencia extraordinaria. Esto es lo que vemos en muchas obras.

Parecería que vemos solo una imagen fotográfica de una mujer. Pero por alguna razón, es difícil romper con él. Sus ojos son demasiado complejos, sus hombros tensos. Nosotros, por así decirlo, estamos tensándonos internamente con ella. Luchando por encontrar una explicación a esta tensión.

Representando la realidad en cada detalle, Wyeth la dotó mágicamente de emociones que no pueden dejar indiferente.

El artista no fue reconocido durante mucho tiempo. Con su realismo, aunque mágico, no encajaba en las corrientes modernistas del siglo XX.

Cuando los trabajadores del museo compraban sus obras, trataban de hacerlo en silencio, sin llamar la atención. Rara vez se organizaban exposiciones. Pero para envidia de los modernistas, siempre han sido un éxito rotundo. La gente vino en masa. Y todavía vienen.

Lea sobre el artista con el artículo. El mundo de Cristina. La obra maestra de Andrew Wyeth".

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock es imposible de ignorar. Cruzó una cierta línea en el arte, después de la cual la pintura no podía ser la misma. Demostró que en el arte, en general, se puede prescindir de las fronteras. Cuando puse el lienzo en el piso y lo salpiqué con pintura.

Y este artista estadounidense comenzó con el abstraccionismo, en el que todavía se puede rastrear lo figurativo. En su obra de la década de 40, "Figura taquigráfica", vemos los contornos tanto de la cara como de las manos. E incluso símbolos comprensibles para nosotros en forma de cruces y ceros.

Su trabajo fue elogiado, pero no tenían prisa por comprar. Era tan pobre como un ratón de iglesia. Y bebió descaradamente. A pesar de un matrimonio feliz. Su esposa admiraba su talento e hizo todo lo posible por el éxito de su esposo.

Pero Pollock originalmente tenía una personalidad rota. Desde su juventud, estaba claro por sus acciones que la muerte temprana era su suerte.

Este quebrantamiento como resultado lo llevará a la muerte a la edad de 44 años. Pero tendrá tiempo de hacer una revolución en el arte y hacerse famoso.

Y lo hizo en un período de dos años de sobriedad. Pudo trabajar fructíferamente en 1950-1952. Experimentó durante mucho tiempo hasta que llegó a la técnica del goteo.

Extendiendo un enorme lienzo en el piso de su cobertizo, caminó alrededor de él, estando, por así decirlo, en el cuadro mismo. Y pintura rociada o simplemente vertida.

Estas pinturas inusuales comenzaron a comprarle voluntariamente por su increíble originalidad y novedad.

Pollock quedó atónito por la fama y cayó en una depresión, sin saber a dónde ir después. La mezcla mortal de alcohol y depresión no le dejó ninguna posibilidad de supervivencia. Una vez se puso al volante muy borracho. Ultima vez.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Sólo en un país con tanto culto al consumo, como es América, podría nacer el arte pop. Y su principal iniciador fue, por supuesto, Andy Warhol.

Se hizo famoso por tomar las cosas más ordinarias y convertirlas en una obra de arte. Eso es lo que le pasó a la lata de sopa Campbell.

La elección no fue casual. La madre de Warhol alimentó a su hijo con esta sopa todos los días durante más de 20 años. Incluso cuando se mudó a Nueva York y se llevó a su madre con él.

Después de este experimento, Warhol se interesó por la serigrafía. Desde entonces, ha tomado imágenes de estrellas del pop y las ha pintado en diferentes colores.

Así apareció su famosa Marilyn Monroe pintada.

Se produjeron una miríada de estos colores ácidos de Marilyn. Art Warhol puesto en marcha. Como era de esperar en una sociedad de consumo.

Warhol inventó las caras pintadas por una razón. Y de nuevo, no sin la influencia de la madre. De niña, durante una enfermedad prolongada de su hijo, ella le arrastraba paquetes de libros para colorear.

Este pasatiempo de la infancia se convirtió en algo que se convirtió en su tarjeta de presentación y lo hizo fabulosamente rico.

Pintó no solo estrellas del pop, sino también las obras maestras de sus predecesores. lo tengo y "Venus" Botticelli.

Venus, como Marilyn, ha hecho mucho. La exclusividad de una obra de arte es "borrada" por Warhol hasta convertirla en polvo. ¿Por qué el artista hizo esto?

¿Para popularizar viejas obras maestras? ¿O, por el contrario, tratar de devaluarlos? ¿Para inmortalizar a las estrellas del pop? ¿O condimentar la muerte con ironía?

Sus obras pintadas de Madonna, Elvis Presley o Lenin a veces son más reconocibles que las fotos originales.

Pero es poco probable que las obras maestras se vean eclipsadas. De todos modos, la "Venus" primordial sigue siendo invaluable.

Warhol era un ávido asistente a las fiestas y atraía a muchos marginados. Drogadictos, actores fallidos o simplemente personalidades desequilibradas. Uno de los cuales una vez le disparó.

Warhol sobrevivió. Pero 20 años después, debido a las consecuencias de una herida que sufrió una vez, muere solo en su departamento.

crisol de estados unidos

A pesar de la breve historia del arte estadounidense, la gama es amplia. Entre los artistas estadounidenses hay impresionistas (Sargent), realistas mágicos (Wyeth), expresionistas abstractos (Pollock) y pioneros del arte pop (Warhol).

Bueno, los estadounidenses aman la libertad de elección en todo. Cientos de denominaciones. Cientos de naciones. Cientos de direcciones de arte. Por eso es el crisol de los Estados Unidos de América.

* Tonalismo: paisajes monocromáticos de tonos grises, azules o marrones, cuando la imagen es como si estuviera en la niebla. El tonalismo se considera una rama del impresionismo, ya que transmite la impresión del artista de lo que vio.

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Versión en inglés del artículo.