Artista destacada del archivo de arte: Ann Kullough

Conoce al artista del archivo de arte. Una artista de bodegones y paisajes visualmente atractivos, Anne se esfuerza por ilustrar más de lo que parece. Su estilo dinámico cautiva a los espectadores, haciéndolos mirar dos veces escenas y objetos ordinarios.

Esta pasión impulsa su trabajo y, a su vez, impulsa su distinguida carrera docente y sus populares cuentas en las redes sociales. Desde la promoción de sus talleres en el último minuto hasta la exhibición de sus técnicas, Ann muestra de manera magistral cómo la enseñanza y las redes sociales complementan una estrategia comercial del arte.

Creyendo que vender trabajo es solo el comienzo, comparte sus consejos de marketing en redes sociales y lo que les enseña a sus alumnos sobre cómo ser un artista fuera de la escuela.

¿Quieres ver más del trabajo de Anna? Visitarla.

Ve dentro (y fuera) del estudio del artista.

1. LAS BODEGONES Y LOS PAISAJES SON BÁSICOS EN TUS OBRAS. ¿QUÉ LO INSPIRA SOBRE ESTOS TEMAS Y CÓMO LLEGÓ A ENFOCARSE EN ELLOS?

Encuentro cosas visualmente interesantes que pueden no tener un significado visual. Miro al mundo con una visión abstracta. Trabajo igual sin importar el tema. Dado que prefiero dibujar del natural en lugar de fotografías, a menudo elijo la naturaleza muerta como tema. También utilizo la naturaleza muerta como medio para enseñar a mis alumnos la importancia de la observación directa (trabajar a partir del natural) como medio para desarrollar un ojo entrenado.

Miro lo que puedo obtener de cada artículo, no solo lo que es. Quiero crear algo que sea agradable a la vista; algo espontáneo, vivo, que hace que la mirada se mueva mucho. Quiero que el espectador lo mire más de una vez. Quiero que mi trabajo muestre más de lo que es.

He estado dibujando desde que era un niño, estudié arte en la universidad y siempre he mirado las cosas desde un punto de vista puramente visual. Busco formas interesantes, iluminación y cualquier cosa que me haga querer mirar un objeto por segunda vez. Esto es lo que dibujo. Puede que no sean únicos o necesariamente hermosos, pero trato de mostrar lo que veo en ellos que los hace únicos para mí.

2. TRABAJAS EN DIVERSOS MATERIALES (ACUARELAS, BOCA, ACRÍLICO, ÓLEO, ETC.), LO QUE PERMITE REALIZAR UN ARTE REALISTA E IMPRESIONISTA. ¿QUÉ HERRAMIENTAS TE GUSTA UTILIZAR Y POR QUÉ?

Me gustan todos los entornos para diferentes aplicaciones y por diferentes razones. Me encanta la acuarela cuando se trata de expresión. Me gusta acertar con el tema y luego usar el color, la textura y los trazos para llevarlo al siguiente nivel.

La acuarela es tan impredecible y tan fluida. Me gusta verlo como una serie de reacciones mientras registro cada trazo. A diferencia de la mayoría de los acuarelistas, no dibujo primero mi tema a lápiz. Muevo la pintura para crear las imágenes que quiero. Tampoco uso la técnica de la acuarela, pinto con un pincel, a veces en un solo tono, a veces en color. Se trata de dibujar el sujeto en el papel, pero al mismo tiempo prestando atención a lo que está haciendo el medio.

La forma en que aplica la pintura al lienzo o al papel es tan importante, si no más, que el tema. Creo que el artista debe comenzar con una gran estructura en términos de dibujo y composición en general, pero necesita traer más a la mesa y mostrarle al espectador cómo percibir el objeto.

Lo que hace que algo sea único, lo que te hace querer mirarlo, es intangible. Se trata más del gesto y el momento que de los pequeños detalles. Esta es toda la idea de espontaneidad, luz y vibración que quiero infundir en mi trabajo.

3. ¿CÓMO DESCRIBIRÍAS TUS MÉTODOS COMO ARTISTA? PREFIERES TRABAJAR EN EL ESTUDIO O ESTAR AL AIRE LIBRE?

Prefiero trabajar siempre del natural siempre que sea posible. Si estoy adentro, pondré una naturaleza muerta. Absolutamente dibujo bodegones del natural, porque ves más. Esto es más difícil y entrena el ojo para ver lo que estás mirando. Cuanto más extraigas de la vida, más profundidad lograrás y te convertirás en un mejor dibujante.

Me gusta trabajar en el sitio siempre que sea posible porque disfruto trabajar al aire libre. Si estoy en el interior, generalmente esbozo mi pieza en base a la investigación realizada en el sitio, combinada con algunas fotografías muy rápidas. Pero confío más en la investigación que en las fotografías: las fotografías son solo un punto de partida. Son planas y no tiene sentido estar ahí. No puedo estar allí cuando estoy trabajando en una pieza grande, pero esbozo en mi cuaderno de bocetos (me encantan los bocetos en acuarela) y los llevo a mi estudio.

Dibujar del natural es muy importante, especialmente para aquellos que recién comienzan a dibujar. Si dibujas durante mucho tiempo, tienes suficiente experiencia para tomar una foto y convertirla en algo más. Un artista novato busca una copia. No apruebo trabajar con fotografías y creo que los artistas deberían eliminar la palabra "copiar" de su vocabulario. Las fotos son solo un punto de partida.

4. QUÉ RESPUESTAS MEMORABLES TIENEN ¿TIENES TU TRABAJO?

A menudo escucho a la gente decir: "Guau, esto es tan vivo, tan brillante, tiene energía real". La gente dice sobre mis paisajes urbanos: "Podría entrar directamente en la imagen". Tales respuestas me hacen muy feliz. Esto es realmente lo que quiero decir con mi trabajo.

Las tramas están muy vivas y llenas de energía; el espectador debería querer explorarlas. No quiero que mi trabajo parezca estático, no quiero que parezca una fotografía. Quiero escuchar que hay "mucho movimiento" en él. Si te alejas de él, forma una imagen. Si te fijas bien, es una mezcla de colores. Cuando tienes los valores y el color en los lugares correctos, ahí es donde ocurre la magia. Eso es la pintura.

Deberá preparar un bloc de notas y un lápiz para estos consejos artísticos inteligentes (o botones de marcadores).

5. TIENES UN GRAN BLOG, MÁS DE 1,000 SUSCRIPTORES EN INSTAGRAM Y MÁS DE 3,500 FANS EN FACEBOOK. ¿QUÉ INFLUYE EN TUS PUBLICACIONES CADA SEMANA Y CÓMO HAN AYUDADO LAS REDES SOCIALES A TU NEGOCIO DE ARTE?

No separo mi enseñanza de mi negocio de arte. Lo veo como una parte integral de lo que hago. Obtengo parte de mis ingresos de cursos y clases magistrales, la otra parte de pinturas. Esta combinación conforma mi negocio de arte. Utilizo las redes sociales para dar a conocer mi trabajo, presentarlo a la gente y llegar a estudiantes potenciales.

Cuando necesito una o dos personas más para completar mis talleres, publico en Facebook. Por lo general, hago que la gente se involucre porque publico sobre los temas que se enseñan en la clase. También tengo personas que son coleccionistas potenciales que vienen a los espectáculos, así que dirijo mis publicaciones a mi región y la gente viene. Atrae a personas que no conozco para mostrar en mi área y definitivamente ayuda a dar a conocer mi trabajo.

Tengo tantas publicaciones en las redes sociales porque cada vez que hago una demostración, la publico. Les da a otros artistas y futuros estudiantes una idea de lo que enseño, cómo abordo las materias y cuánto trabajo se necesita para convertirse en un maestro.

Muchos principiantes están ansiosos por llegar al nivel en el que saben lo que están haciendo. Preguntan cuándo estarán listos para la exhibición en la galería. Se necesita mucho tiempo y esfuerzo constante para crear un cuerpo de trabajo antes de considerar exhibiciones en galerías. Aprecio cuánto trabajo y esfuerzo realmente requiere.

También publico contenido que es educativo para otros artistas que están tratando de llevarlo al siguiente nivel. Esto les indica la dirección correcta y despierta su interés en trabajar conmigo en una clase futura.

Mantengo las publicaciones de mi blog auténticas y positivas, eso es muy importante para mí. Hay muchas cosas que no son importantes para los artistas principiantes, por lo que quiero brindarles a estos artistas los conceptos básicos.

6. USTED ES MAESTRO DEL CENTRO DE BELLAS ARTES DE NUEVA JERSEY, EL MUSEO DE ARTE HUNTERDON Y EL CENTRO DE ARTES CONTEMPORÁNEAS. ¿CÓMO SE AJUSTA ESTO A SU NEGOCIO DE ARTE?

Siempre hago demostraciones y considero la enseñanza como parte de mi negocio artístico. Algunos de mis mejores dibujos son de demostraciones cuando enseño a los estudiantes.

Me encanta demostrar. Estoy interesado en proporcionar a los alumnos conjuntos de habilidades que puedan usar por su cuenta. Obtienes más de las clases cuando la atención se centra en el aprendizaje en lugar del tiempo individual en el estudio.

Utilizo mi propio trabajo como ejemplos. Llevo a los estudiantes de viaje conmigo. Comienzo cada lección con una demostración. Siempre tengo un concepto que destaco en una demostración, como colores complementarios, perspectiva o composición.

También hago muchos talleres al aire libre, así que combino el taller con unos días de pintura. Este verano estoy enseñando pasteles y acuarelas en Aspen. Usaré la investigación cuando regrese para proyectos más grandes.

Puedo hablar y dibujar al mismo tiempo, realmente no me confunde. Creo que algunas personas tienen problemas con esto. Es importante que su demostración tenga sentido. Habla sobre ello y mantenlo en tu mente para mantenerte enfocado. Asegúrese de que este sea un punto muy importante en lo que está haciendo. Obviamente, si estoy trabajando en una comisión, no lo haré en clase. Hice algunas de las piezas grandes en clase e hice piezas pequeñas para la venta. Si vas a enseñar, debes ser capaz de hacerlo. Los estudiantes que estudian arte son aprendices visuales.

7. ¿CUÁL ES SU FILOSOFÍA COMO PROFESOR Y LA LECCIÓN NÚMERO UNO DESEA QUE SUS ESTUDIANTES MEMORICEN?

Se Auténtico. No intentes ser nadie más que tú mismo. Si tienes algo fuerte, aprovéchalo al máximo. Si hay áreas en las que eres débil, enfréntalas. Apúntate a una clase de dibujo o a un taller de mezcla de colores. Reconoce el hecho de que necesitas luchar contra tus debilidades y haz lo mejor que puedas con ellas.

Mantente fiel a lo que te emociona. Me encanta dibujar y me encanta la pintura abstracta, pero no me veo nunca convirtiéndome en un artista abstracto puro porque me encanta dibujar demasiado. Esta es una parte importante para mí como artista.

No decidas lo que dibujarás de manera más realista para aumentar las ventas si eso no es lo que quieres. Dibuja lo que más te impulsa y te emociona. Cualquier cosa menos que esto no es tu mejor trabajo.

Trabaja en tus debilidades y construye tus fortalezas. Ve tras lo que realmente te importa y ten éxito en ello. No cambies para complacer al mercado porque nunca podrás complacer a todos. Por eso no hago muchos pedidos. No quiero hacer un dibujo de otra persona y poner mi nombre en él. Si no estás interesado en dibujar algo, no lo hagas. Es mejor alejarse de él que arriesgarse a arruinar tu reputación como artista.

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