Artista destacado del archivo de arte: Lawrence W. Lee

Conoce al artista del archivo de arte. Un verdadero original, mejor conocido por sus imágenes chamánicas distintivas, Lawrence pinta para los fanáticos del arte del sudoeste en su estudio en Arizona. Su marca fuerte e instantáneamente reconocible no es accidental. Este astuto hombre de negocios entiende a su público y va al encuentro de sus gustos. El trabajo de Lawrence refleja los colores y temas del suroeste de Estados Unidos en toda su mística y magia. Este enfoque inteligente y estratégico del arte le ha permitido a Lawrence ganarse la vida únicamente como artista desde 1979, vendiendo pinturas por valor de millones de dólares.

Una fuente inagotable de valiosos consejos sobre la carrera artística, Lawrence comparte cómo crea el arte que los compradores quieren, ya sea investigando cuidadosamente su base de clientes o evolucionando su estilo a medida que cambia el mercado.

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1. IMÁGENES DE CHAMANES E IMÁGENES DEL SUROESTE DE AMÉRICA EN SUS OBRAS. ¿DE DÓNDE SACÁS LA INSPIRACIÓN Y CÓMO AFECTARON A TU ESTILO LOS LUGARES EN LOS QUE VIVISTE?

He vivido la mayor parte de mi vida en Tucson, Arizona. Me mudé aquí cuando tenía 10 años y fui a la Universidad del Norte de Arizona. Allí conocí un poco sobre la cultura Navajo y Hopi. Cuando era estudiante de posgrado, mi compañero de cuarto era un Hopi que nació en Second Mesa y todavía tenía esposa e hijo. De vez en cuando, él y yo nos subíamos a su vieja camioneta y recorríamos las llanuras del norte de Arizona en las brumosas horas de la madrugada por los lugares más mágicos. Su esposa tuvo la amabilidad de compartir conmigo historias de la tradición Hopi, como la historia de la Mujer Araña que enseñaba a la gente a tejer. No sé si esa fue la razón inmediata de lo que estoy haciendo, pero nunca olvidaré la sensación que me atravesó mientras conducíamos por estos tramos de carretera desérticos con mesas moradas en la distancia, como el primer tono dorado. del sol. comenzó a invadir nuestro entorno. La imagen es tan fuerte que se ha quedado conmigo durante décadas.

Cuando comencé a mostrar mi arte, estaba dibujando imágenes de personas. Pensé que estaba haciendo grandes cosas, pero la gente en las exposiciones de arte decía: "¿Por qué querría a alguien que no conozco colgado en mi pared?" Por mucho que argumenté, simplemente no pude vender la pintura. Recuerdo, a través de la neblina de décadas, que estaba en mi sala de estar lamentando este triste estado de cosas y mirando una foto de perfil de una mujer que obtuve de una galería. Estaba en el suroeste, así que decidí agregar un poco de suroeste a la imagen. Le puse el bolígrafo en el pelo y llevé el cuadro a la galería. Vendido en una semana. La lección de este incidente fue que, obviamente, tan pronto como añadí algo como los indios americanos, la imagen se volvió deseable. Me di cuenta de que las personas que vienen a Tucson, ya sea de visita o de residencia, tienen mucho que ver con la cultura indígena americana. Tuve que tomar una decisión ahora que descubrí que podía convertir una pintura no deseada en parte de una cultura romántica que la gente podría llevarse a casa. Tuve que aceptar si quería seguir este camino o no, y decidí que valía la pena. Al agregar plumas, cuentas y collares de huesos, podía dibujar imágenes de las personas que quería dibujar, y parecía un pequeño precio a pagar. El equipo mejoró las figuras que hice y se convirtió en una parte integral de mi pensamiento sobre esas figuras, y no solo un medio para aumentar la venalidad. He estado ganando mucho dinero desde 1979 y he vendido millones de dólares en pinturas.

2. LA MAYORÍA DE TU OBRA ES UNA DIFUSIÓN ENTRE REALISMO Y ABSTRACCIÓN. ¿POR QUÉ MEZCLAS LOS ELEMENTOS Y CÓMO DESCUBIERTE TU ESTILO DIFERENTE?

Fui a la universidad en la década de 1960, y en la década de 1960, si te estabas preparando para obtener una licenciatura en Bellas Artes, se esperaba que hicieras un trabajo abstracto o no objetivo. El trabajo figurativo se percibía como anticuario, no era lo suficientemente moderno. Todo lo que había que decir sobre la figura humana ya se había dicho y ya no importaba. Dibujé de la vida como todos los demás, pero no hice ningún trabajo figurativo significativo porque sería ridiculizado en clase y no obtendría mi título. Pero inmediatamente después de graduarme, recibí una comisión del bibliotecario jefe de la Universidad del Norte de Arizona para hacer seis pinturas para una nueva biblioteca en construcción. Acababa de terminar mi Licenciatura en Artes y no tenía que preocuparme por complacer al profesor, así que decidí hacer imágenes figurativas basadas libremente en el poema Kubla Khan de Coleridge.

Ese fue el comienzo, y creo que siempre he tenido una naturaleza peculiar. Con el paso de los años, las figuras cobraron vida propia. Estructuralmente, se han convertido en figuras anatómicamente imposibles, a las que llamo casi humanas. Recientemente tuve la oportunidad de ver algunas de las cosas que hice en la universidad y poco después de graduarme. Me quedé atónito al ver pequeños círculos, burbujas, verticilos, verticilos y figuras en ellos que eran demasiado altos y tenían hombros demasiado estrechos o demasiado anchos. No tenía idea de que estas ideas se estaban filtrando en mi mente artística hace tantos años. No sabía que estaba cantando la misma canción todo este tiempo, solo agregando nuevas palabras y nuevos versos.

3. ¿QUÉ ES ÚNICO EN SU ESPACIO DE ESTUDIO O PROCESO CREATIVO?

A menudo se dice que la línea más importante en un dibujo es la primera línea, porque todo lo demás está conectado a ella. Yo uso una pequeña barra de carbón de vid. La vid no se convierte en ceniza, pero se convierte en un palo de carbón cuando se quema, si no hay suficiente oxígeno para la combustión completa. Usé otros materiales pero comencé a usar este en la universidad. Lo uso para crear la primera línea y hasta el final del dibujo. Si alguien viniera de noche y me robara el carbón de la vid, no podría pintar otro cuadro. Esta es la herramienta que mejor conozco. Cuando usas algo durante décadas, se convierte en una extensión de ti mismo.

Cuando las cosas cambian, como cuando los fabricantes de lienzos cambian de proveedor de algodón, o cuando estiran el lienzo de manera diferente o usan una nueva imprimación, me lleva semanas adaptarme y, a veces, no puedo. A veces tengo que lijarlo o añadir más capas de yeso. Durante años he utilizado el mismo pincel, número y estilo para firmar mi nombre en mis cuadros. Era una extensión de mi mano. Cuando volví a pintar después de mi retiro, ya no pude encontrar esos pinceles. Llevo dos años pintando y todavía me cuesta escribir mi nombre porque el pincel ya no es el mismo. Me vuelve loco. También hago bocetos, usando un pincel seco que deja un poco de e-color en los valles del tejido. Esto es realmente fregar, y cuando frotas con un cepillo, pierdes el significado. Él se desgasta. Las brochas que más me gustan son perfectas para mí. Si tuviera que empezar con pinceles puntiagudos que rebotan, no sería capaz de hacer lo que hago.

4. USTED ATENDE A COMPRADORES DE ARTE PÚBLICO Y RESIDENCIAL. ¿CÓMO AFECTUÓ TU CARRERA Y CÓMO INICIATE EN EL ARTE PÚBLICO?

La separación de público y privado en mi sitio web es un diseño que decidí usar hace unos meses, a pesar de que corporaciones y negocios han estado comprando mi trabajo durante años. IBM compró seis de mis piezas a mediados o finales de la década de 1970. Muchas corporaciones y lugares públicos los han comprado. Los compradores tenían que ser muy valientes porque mis pinturas son intensas y conflictivas. Aprendí en la universidad que no debes centrar tu composición ni usar negro. Pero tuve que ignorar esas reglas para poder hacer lo que estaba en mi cabeza: estas criaturas de confrontación. En la década de 1970, cuando mi carrera estaba despegando, mi clientela principal eran los promotores inmobiliarios rebeldes, muy ricos y muy testarudos del suroeste. A menudo compraban mis cuadros y colocaban a los más fuertes en su mesa para aumentar su poder e intimidar a cualquiera que estuviera frente a la mesa. A principios de la década de 1980, hubo una crisis de ahorro y crédito, como las crisis bancarias que acabamos de experimentar. La gente jugaba rápido y descuidadamente según las reglas. De repente, estos desarrolladores multimillonarios estaban sin dinero y huyendo del Departamento de Justicia.

De repente, mis ventas casi desaparecieron. Pero sabía que el dinero no se había ido a ninguna parte: alguien más lo tenía. Y decidí que ahora debería estar en manos de los abogados de los promotores. Entonces pensé en lo que los abogados quieren en sus oficinas. Querrán algo que mire hacia un futuro brillante y un asentamiento grande. Hice lo mejor que pude para satisfacer mi deseo imaginario por parte de los abogados e invertí mis números. Los dibujé desde atrás. Podría hacerlo porque todo tipo de ceremonias indias involucran disfraces maravillosos. Claramente estaban esperando algo, y se suponía que sería un futuro brillante. Tan pronto como hice eso, mis pinturas comenzaron a venderse nuevamente. Después de algunos años y después de que mucha gente me preguntara, recuperé mis números.

5. ¿POR QUÉ EMPEZASTE A PINTAR PAISAJES Y BODEGAS DESPUÉS DE PINTAR CASI EXCLUSIVAMENTE CHAMANES?

Mis pinturas son muy intensas y casi todas tienen contacto visual de confrontación. En muchos casos, la gente no cree que sean adecuados para espacios públicos, así que por primera vez en 40 años, estoy haciendo paisajes nuevamente. Descubrí partes de mí mismo que tuve que reprimir mientras seguía una carrera. Tengo que convencer a la gente de que está bien amar a Lawrence Lee, que no es un chamanista cuasi-indio americano pronunciado. Desde 1985 soy artista y miembro del club privado Mountain Oyster. Fue fundado en 1948 por un grupo de jóvenes jugadores de polo adinerados que decidieron que necesitaban ser dueños de su propio lugar. Les encantaba el arte del sudoeste, especialmente el arte de los vaqueros. Comenzaron una exhibición de arte anual para recaudar dinero, y tuvo tanto éxito que atrajo a algunos de los mejores artistas y vaqueros del suroeste. Si no tenías un trabajo en MO, no eras nada.

En la década de 1980, la mayoría de los miembros fundadores se fueron o fallecieron, y un tipo estaba decidiendo a quién tomar en el programa. Tenías que ponerte en la línea de visión de este tipo para que pudiera llamarte y venir a tu estudio. En este punto, él tomará la decisión final. Tienen un espectáculo anual que sigue siendo muy bueno, pero en su mayoría es un trabajo de vaqueros. Pero mi trabajo siempre ha sido demasiado grande y demasiado extraño. Nunca entendí por qué decidió dejarme entrar. Así que este año decidí hacer algunas cosas muy especiales para las personas que van al Ministerio de Defensa todos los años. Me hizo pensar en botas y espuelas. Tengo que aplicar mi habilidad artística a este tema en particular. En todas estas partes, tomo un subconjunto de las formas más grandes. Puedo concentrarme en la suela de la bota, el estribo o la espuela de la silla porque así lo creo. Por lo general, trato de incorporar alguna disonancia cognitiva en mi trabajo, como una burbuja o una mariposa, y nunca sé qué va a pasar a continuación. Entrar en este campo fue una decisión comercial y nació de la creencia de que, al final de mi carrera, podría pintar buenos cuadros que no fueran chamánicos.

6. TU ARTE SE COLECCIONA EN TODO EL MUNDO EN LUGARES COMO JAPÓN, CHINA Y TODA EUROPA. ¿QUÉ PASOS TOMÓ PARA VENDER ARTE FUERA DE LOS ESTADOS UNIDOS Y OBTENER RECONOCIMIENTO INTERNACIONAL?

En general, no tuve que dar un solo paso fuera de Tucson para hacer esto, porque este es un lugar para viajeros de todo el mundo por derecho propio. Arizona tiene Monument Valley, el Gran Cañón y Old Pueblo. Viene gente de todo el mundo y quiere llevarse un poco de magia a casa, así que mi arte es perfecto. Me entero por galerías o amigos de amigos que un coleccionista extranjero tiene una de mis obras. Alguien dirá: “Por cierto, esta galería está enviando una de tus obras a una persona en Shanghái”. En gran medida, eso es lo que sucedió. Tuve una exposición individual en París, pero incluso eso fue porque una diseñadora de moda de París que estaba de vacaciones en Tucson me contactó porque quería mostrar mi trabajo allí.

7. HA ESTADO EN UN NÚMERO IMPRESIONANTE DE EXPOSICIONES IMPORTANTES. ¿CÓMO SE PREPARA PARA ESTOS EVENTOS Y QUÉ CONSEJOS LE DA A OTROS ARTISTAS?

Una cosa que muchos artistas no entienden es que la gente por lo general quiere comprar arte que vivirá en sus casas con ellos. En áreas fuera de Nueva York, Los Ángeles, Bruselas, etc., si está creando una obra de arte de alto concepto que es una declaración de involución humana representada por gusanos de gomaespuma suspendidos del techo sobre piscinas para bebés llenas de café endulzado artificialmente. , probablemente no encontrará a nadie que lo compre para su casa. Debes entender que si quieres ganarte la vida haciendo este tipo de cosas, tienes que mudarte a una ciudad que acepte este tipo de arte. Mi consejo: mira tu arte como si fueras un comprador potencial. Si haces esto, podrás entender mucho.

Hace años estaba mostrando en San Francisco y no pude vender nada. Estaba deprimido hasta que lo pensé e hice una investigación exhaustiva. Descubrí que en la mayoría de las casas de personas que podían comprar mi trabajo, las paredes eran demasiado pequeñas para ello. Si viviera en San Francisco, lo sabría casi instintivamente. Si vivo en una antigua casa victoriana de tres pisos cerca de Union Square, ¿qué tipo de cosas me gustaría poner en mis paredes? En Tucson, la mayoría de la gente quiere cosas con un toque del sudoeste en sus paredes, a menos que hayan nacido y crecido en Boston y quieran traer sus veleros. Es importante conocer los lugares donde viven tus potenciales compradores. Si eres un comprador potencial, ¿qué te gustaría saber sobre el artista? Si tienes preguntas sobre un artista, tus compradores potenciales tendrán las mismas preguntas sobre ti. En otras palabras, haz tu mejor esfuerzo para averiguar lo que quieren tus clientes potenciales e intenta dárselo.

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