Perspectiva lineal en la pintura. Principales secretos
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La gran mayoría de las pinturas y frescos de los últimos 500 años se han creado de acuerdo con las reglas de la perspectiva lineal. Es ella quien ayuda a convertir el espacio 2D en una imagen 3D. Esta es la técnica principal mediante la cual los artistas crean la ilusión de profundidad. Pero lejos de siempre, los maestros siguieron todas las reglas de construcción de perspectiva.
Echemos un vistazo a algunas obras maestras y veamos cómo los artistas construyeron el espacio a través de la perspectiva lineal en diferentes momentos. ¿Y por qué a veces rompían algunas de sus reglas?
leonardo da vinci La última cena
Durante el Renacimiento se desarrollaron los principios de la perspectiva lineal directa. Si antes los artistas construían el espacio intuitivamente, a simple vista, en el siglo XV aprendieron a construirlo matemáticamente con precisión.
Leonardo da Vinci a finales del siglo XV ya sabía perfectamente cómo construir el espacio en un avión. En su fresco "La Última Cena" vemos esto. Las líneas de perspectiva son fáciles de dibujar a lo largo de las líneas del techo y las cortinas. Se conectan en un punto de fuga. Por el mismo punto pasa la línea del horizonte, o línea de los ojos.
Cuando el horizonte real se representa en la imagen, la línea de los ojos pasa justo en la unión del cielo y la tierra. Al mismo tiempo, se encuentra con mayor frecuencia en el área de los rostros de los personajes. Todo esto lo observamos en el fresco de Leonardo.
El punto de fuga está en la zona del rostro de Cristo. Y la línea del horizonte pasa por sus ojos, así como por los ojos de algunos de los apóstoles.
Esta es una construcción de libro de texto del espacio, construida de acuerdo con las reglas de la perspectiva lineal DIRECTA.
Y este espacio está centrado. ¡La línea del horizonte y la línea vertical que pasa por el punto de fuga dividen el espacio en 4 partes iguales! Esta construcción reflejó la cosmovisión de esa época con un fuerte deseo de armonía y equilibrio.
Posteriormente, tal construcción ocurrirá cada vez menos. Para los artistas, esta parecerá una solución demasiado simple. ellos bsople y desplace la línea vertical con el punto de fuga. Y subir o bajar el horizonte.
Incluso si tomamos una copia del trabajo de Raphael Morgen, creado a fines del siglo XVIII y XIX, veremos que él no pudo ... ¡resistir tal centralidad y desplazó la línea del horizonte más alto!
Pero en ese momento, construir un espacio como el de Leonardo fue un avance increíble en la pintura. Cuando todo se verifica con precisión y perfección.
Así que veamos cómo se representaba el espacio antes de Leonardo. Y por qué su "Última Cena" me pareció algo especial.
fresco antiguo
Los artistas antiguos representaron el espacio de manera intuitiva, utilizando la llamada perspectiva de observación. Es por eso que vemos errores obvios. Si dibujamos líneas de perspectiva a lo largo de fachadas y superficies, encontraremos hasta tres puntos de fuga y tres líneas de horizonte.
Idealmente, todas las líneas deberían converger en un punto, que se encuentra en la misma línea del horizonte. Pero como el espacio se construyó de manera intuitiva, sin conocer la base matemática, resultó así.
Pero no se puede decir que duele el ojo. El hecho es que todos los puntos de fuga están en la misma línea vertical. La imagen es simétrica y los elementos son casi iguales en ambos lados de la vertical. Esto es lo que hace que un fresco sea equilibrado y estéticamente hermoso.
De hecho, tal imagen del espacio está más cerca de la percepción natural. Después de todo, es difícil imaginar que una persona pueda mirar el paisaje urbano desde un punto, inmóvil. Solo así podremos ver lo que nos ofrece la perspectiva lineal matemática.
Después de todo, puedes mirar el mismo paisaje ya sea de pie, sentado o desde el balcón de la casa. Y luego la línea del horizonte es más baja o más alta... Esto es lo que observamos en un fresco antiguo.
Pero entre el fresco antiguo y la Última Cena de Leonardo hay una gran capa de arte. Iconografía.
El espacio en los íconos se representó de manera diferente. Propongo echar un vistazo a la "Santísima Trinidad" de Rublev.
Andréi Rublev. La Santa Trinidad.
Mirando el ícono de Rublev "Holy Trinity", inmediatamente notamos una característica. Los objetos en su primer plano claramente NO están dibujados de acuerdo con las reglas de la perspectiva lineal directa.
Si dibuja líneas de perspectiva en el reposapiés izquierdo, se conectarán mucho más allá del icono. Esta es la llamada perspectiva lineal INVERSA. Cuando el lado más alejado del objeto es más ancho que el más cercano al espectador.
Pero las líneas de perspectiva del stand de la derecha nunca se cruzarán: son paralelas entre sí. Esta es una perspectiva lineal AXONOMÉTRICA, cuando los objetos, especialmente los no muy alargados en profundidad, se representan con lados paralelos entre sí.
¿Por qué Rublev representó objetos de esta manera?
El académico B. V. Raushenbakh en los años 80 del siglo XX estudió las características de la visión humana y llamó la atención sobre una característica. Cuando nos paramos muy cerca de un objeto, lo percibimos en una ligera perspectiva inversa, o bien no notamos ningún cambio de perspectiva. Esto significa que el lado del objeto más cercano a nosotros parece un poco más pequeño que el más lejano, o sus lados se ven iguales. Todo esto se aplica también a la perspectiva observacional.
Por cierto, esta es la razón por la que los niños suelen dibujar objetos en perspectiva inversa. ¡Y también perciben dibujos animados con ese espacio más fácilmente! Verá: los objetos de las caricaturas soviéticas se representan de esta manera.
Los artistas adivinaron intuitivamente sobre esta característica de la visión mucho antes del descubrimiento de Rauschenbach.
Entonces, el maestro del siglo XIX construyó el espacio, al parecer, de acuerdo con todas las reglas de la perspectiva lineal directa. Pero presta atención a la piedra en primer plano. ¡Está representado en una ligera perspectiva inversa!
El artista utiliza perspectivas directas e inversas en una sola obra. ¡Y en general, Rublev hace lo mismo!
Si el primer plano del ícono se representa en el marco de una perspectiva de observación, entonces, en el fondo del ícono, el edificio se representa de acuerdo con las reglas de ... ¡perspectiva directa!
Como el antiguo maestro, Rublev trabajaba intuitivamente. Por lo tanto, hay dos líneas de ojos. Miramos las columnas y la entrada al pórtico desde el mismo nivel (línea de ojos 1). Pero en la parte del techo del pórtico, desde el otro (línea de ojos 2). Pero sigue siendo una perspectiva directa.
Ahora avance rápido hasta el siglo XVII. A estas alturas, la perspectiva lineal había sido muy estudiada: habían pasado más de 100 años desde la época de Leonardo. Veamos cómo lo usaban los artistas de esa época.
Jan Vermeer. Lección de música
Está claro que los artistas del siglo XVII ya dominaban magistralmente la perspectiva lineal.
¿Ves cómo el lado derecho de la pintura de Jan Vermeer (a la derecha del eje vertical) es más pequeño que el izquierdo?
Si en La última cena de Leonardo la línea vertical está exactamente en el medio, en Vermeer ya se desplaza hacia la derecha. Por lo tanto, la perspectiva de Leonardo se puede llamar CENTRAL y Vermeer - LATERAL.
Debido a esta diferencia, en Vermeer vemos dos paredes de la habitación, en Leonardo, tres.
De hecho, desde el siglo XVII, los locales se han representado a menudo de esta manera, con la ayuda de una perspectiva lineal LATERAL. Por lo tanto, las habitaciones o los pasillos se ven más realistas. La centralidad de Leonardo es mucho más rara.
Pero esta no es la única diferencia entre las perspectivas de Leonardo y Vermeer.
En La última cena, miramos directamente a la mesa. No hay otros muebles en la habitación. ¿Y si hubiera una silla a un lado, tirada en ángulo hacia nosotros? De hecho, en este caso, las líneas prometedoras irían más allá del fresco...
Sí, en cualquier habitación, todo, por regla general, es más complicado que el de Leonardo. Por lo tanto, también existe una perspectiva ANGULAR.
Leonardo lo tiene puramente FRONTAL. Su signo es solo un punto de fuga, ubicado dentro de la imagen. Todas las líneas de perspectiva se encuentran en él.
Pero en la habitación de Vermeer vemos una silla de pie. Y si dibuja líneas prometedoras a lo largo de su asiento, ¡se conectarán en algún lugar fuera del lienzo!
¡Y ahora preste atención al piso en el trabajo de Vermeer!
Si dibuja líneas a lo largo de los lados de los cuadrados, entonces las líneas convergerán... también fuera de la imagen. Estas líneas tendrán sus propios puntos de fuga. ¡Pero! Cada una de las líneas estará en la misma línea de horizonte.
Así, Vermeer conecta la perspectiva frontal con la angular. Y la silla también se muestra con la ayuda de una perspectiva angular. Y sus líneas de perspectiva convergen en un punto de fuga en una sola línea de horizonte. ¡Qué matemáticamente hermoso!
En general, utilizando la línea del horizonte y los puntos de fuga, es muy fácil dibujar cualquier piso en una jaula. Esta es la llamada cuadrícula de perspectiva. Siempre resulta muy realista y espectacular.
Y es desde este piso que siempre es fácil entender que el cuadro fue pintado antes de la época de Leonardo. Porque sin saber cómo construir una cuadrícula de perspectiva, el piso siempre parece moverse hacia alguna parte. En general, no muy realista.
Ahora pasemos al siguiente, el siglo XVIII.
Jean Antoine Watteau. Letrero de la tienda de Gersin.
En el siglo XVIII, la perspectiva lineal se dominó a la perfección. Esto se ve claramente en el ejemplo del trabajo de Watteau.
Espacio perfectamente diseñado. Es un placer trabajar con él. Todas las líneas de perspectiva se conectan en un punto de fuga.
Pero hay un detalle muy interesante en la imagen...
Preste atención a la casilla en la esquina izquierda. En él, un galerista pone un cuadro para el comprador.
Si dibuja líneas de perspectiva a lo largo de sus dos lados, entonces se conectarán en ... ¡una línea de ojos diferente!
De hecho, un lado forma un ángulo agudo y el otro es casi perpendicular a la línea de los ojos. Si viste esto, entonces no podrás ignorar esta extrañeza.
Entonces, ¿por qué el artista fue a una violación tan obvia de las leyes de la perspectiva lineal?
Desde la época de Leonardo, se sabe que la perspectiva lineal puede distorsionar significativamente la imagen de los objetos en primer plano (donde las líneas de perspectiva van al punto de fuga en un ángulo particularmente agudo).
Esto es fácil de ver en este dibujo del siglo XVI.
Las bases de las columnas de la derecha son cuadradas (con lados iguales). Pero debido a la fuerte pendiente de las líneas de la cuadrícula de perspectiva, ¡se crea la ilusión de que son rectangulares! Por la misma razón, las columnas, de diámetro redondo, a la izquierda aparecen elipsoidales.
En teoría, las puntas redondas de las columnas de la izquierda también deberían distorsionarse y convertirse en elipsoides. Pero el artista los representó como redondos, utilizando una perspectiva de observación.
Asimismo, Watteau cometió una violación de las reglas. Si hubiera hecho todo bien, entonces la caja habría resultado ser demasiado estrecha en la parte posterior.
Así, los artistas volvieron a la perspectiva observacional y se centraron en cómo el tema se vería más orgánico. Y deliberadamente fue a algunas violaciones de las reglas.
Ahora pasemos al siglo XIX. Y esta vez veamos cómo el artista ruso Ilya Repin combinó las perspectivas lineal y observacional.
Ilia Repin. No esperé.
A primera vista, el artista construyó el espacio según el esquema clásico. Sólo la vertical se desplaza hacia la izquierda. Y si recuerdas, los artistas posteriores a la época de Leonardo trataron de evitar el centrado excesivo. En este caso, es más fácil "colocar" a los héroes a lo largo de la pared derecha.
También tenga en cuenta que las cabezas de los dos personajes principales, el hijo y la madre, terminan en ángulos de perspectiva. Están formados por líneas de perspectiva que recorren las líneas del techo hasta el punto de fuga. Esto enfatiza la relación especial e incluso, se podría decir, la relación de los personajes.
Y también vea cuán inteligentemente Ilya Repin resuelve el problema de las distorsiones de perspectiva en la parte inferior de la imagen. A la derecha, coloca objetos redondeados. Por lo tanto, no hay necesidad de inventar nada con las esquinas, como Watteau tuvo que hacer con su caja.
Y Repin da otro paso interesante. Si dibujamos líneas de perspectiva a lo largo de las tablas del piso, ¡obtenemos algo extraño!
¡No se unirán en un solo punto de fuga!
El artista optó deliberadamente por utilizar una perspectiva observacional. Por tanto, el espacio parece más interesante, no tan esquemático.
Y ahora pasamos al siglo XX. Creo que ya adivinas que los maestros de este siglo no se pararon particularmente en la ceremonia con el espacio. Nos convenceremos de esto con el ejemplo de la obra de Matisse.
Enrique Matisse. Taller rojo.
Ya a primera vista, está claro que Henri Matisse representó el espacio de una manera especial. Claramente se apartó de los cánones formados en el Renacimiento. Sí, tanto Watteau como Repin también cometieron algunas imprecisiones. Pero Matisse claramente perseguía otros objetivos.
Es inmediatamente evidente que Matisse muestra algunos de los objetos en perspectiva directa (mesa), y algunos al revés (silla y cómoda).
Pero las características no terminan ahí. Dibujemos las líneas de perspectiva de la mesa, la silla y el cuadro en la pared izquierda.
E inmediatamente encontramos TRES horizontes. Uno de ellos está fuera de la imagen. ¡También hay TRES verticales!
¿Por qué Matisse complica tanto las cosas?
Tenga en cuenta que inicialmente la silla parece algo extraña. Como si estuviéramos mirando el travesaño superior de su espalda desde la izquierda. Y para el resto de la parte, a la derecha. Ahora mira los artículos sobre la mesa.
El plato miente como si lo estuviéramos mirando desde arriba. Los lápices están ligeramente inclinados hacia atrás. Pero vemos un jarrón y un vaso desde un lado.
Podemos notar las mismas rarezas en la representación de pinturas. Los que están colgados nos miran directamente. Como el reloj del abuelo. Pero las pinturas contra la pared están representadas un poco de lado, como si las estuviéramos mirando desde la esquina derecha de la habitación.
Parece que Matisse no quería que inspeccionáramos la habitación desde un solo lugar, desde un solo ángulo. ¡Parece guiarnos por la habitación!
Así que nos acercamos a la mesa, nos inclinamos sobre el plato y lo examinamos. Caminó alrededor de la silla. Luego fuimos a la pared del fondo y miramos los cuadros que están colgados. Luego bajaron la mirada a la izquierda, a las obras que estaban en el suelo. Etc
¡Resulta que Matisse no rompió la perspectiva lineal! Simplemente representó el espacio desde diferentes ángulos, desde diferentes alturas.
De acuerdo, es fascinante. Como si la habitación cobrara vida, nos envolviera. Y el color rojo aquí solo realza este efecto. El color ayuda al espacio a atraernos...
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Siempre sucede de esa manera. Primero, se crean las reglas. Entonces empiezan a romperlos. Tímido al principio, luego más audaz. Pero esto no es, por supuesto, un fin en sí mismo. Esto ayuda a transmitir la cosmovisión de su época. Para Leonardo, este es el deseo de equilibrio y armonía. Y para Matisse: movimiento y un mundo brillante.
Sobre los secretos de la construcción del espacio - en el curso "Diario de un crítico de arte".
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Un agradecimiento especial por ayudar a escribir el artículo a Sergey Cherepakhin. Fue su habilidad para lidiar con los matices de las construcciones de perspectiva en la pintura lo que me inspiró a crear este texto. Se convirtió en su coautor.
Si está interesado en el tema de la perspectiva lineal, escriba a Sergey (cherepahin.kd@gmail.com). Estará encantado de compartir sus materiales sobre este tema (incluidas las pinturas que se mencionan en este artículo).
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